打击乐的音乐(打击乐专场音乐会)

《Music for Bang, Baa-Room and Harp》，TAS与《皇家夜总会》，《贝拉方提在卡内基》和《月亮黑暗面》同列。迪克肖里无愧于打击乐之王的称号。他第一次与芝加哥交响乐团合作是作为一名打击乐手创作爵士乐和实验音乐。从50年代到60年代，他的10多张专辑影响深远。1958年这首《Music for Bang, Baa-Room And Harp》(打击乐之王)尤为出众，精彩的演绎和录音效果，空气饱满，乐器生动，定位准确，舞台造型开阔。左右贯通，穿墙穿墙，突破听音空间的音效，确实别出心裁。声音强的时候，山在震动，声音弱的时候，却是细微的。
瑞典国际清算银行记录
BIS于1974年由罗伯特冯巴尔(Robert Von Bahr)在瑞典奥克斯贝加(kersberga)创立，只是为了给他吹长笛的妻子制作和发行唱片。由于地理和文化背景，BIS致力于北欧和苏联俄罗斯作曲家的作品，如格雷格、西贝柳斯、纳尔逊等。这些都是录制的重点。至今已发行2000多张CD，获得英国留声机奖，企鹅三星花，企鹅三星…等等。它是瑞典领先的古典唱片公司。BIS公司出版的作品虽然都是冷门或被忽视的音乐，但凭借Bahr的精心策划和一流的录音效果，却能成功大批量销售，甚至经常被指定用于设备测试。
其实BIS的生产策略可以称之为精耕细作。只有大力发掘本土有自己特色的作曲家，才有机会听一些五大唱片公司没有发掘的北欧当代作品。然而，国际清算银行并没有固步自封。而是把目光放在了整个世界和整个时间线上，这样既能听到文艺复兴时期意大利琵琶的合集，也能听到印度的太阳颂歌，更不会错过日本的单簧管音乐，俄罗斯的萨克斯和巴西的吉他。毫不夸张地说，BIS的记录几乎涵盖了每一个可以想到的国家、乐器类型和历史时期。看目前唱片公司的目录，BIS大概是出版打击乐最多的公司，其中最著名的是指挥赫尔辛基交响乐团和打击乐团的法伯曼演奏的《敲击卡门》和《爵士鼓协奏曲》。BIS的录音强调真实性，忠实地诠释了在录音现场听到的声音，无论动态对比还是声音舞台都有着惊人的清晰度，尤其是DSD格式的录音。
德国鼓王CharlyAntoliniCharly Antolini其实是瑞士人，因Jeton Records发行的一张专辑《Knock Out》而出名，被发烧友誉为《打断鼓棍》。Charly出生于1937年，可能是因为他的演奏生涯在欧洲，并没有踏入美国音乐圈，所以名字并不是很响亮。他的职业表演生涯始于1956年，当时他在巴黎演奏更传统的爵士乐。1962年，他定居在德国斯图加特，并加入了SWR和NDR爵士乐团。1976年，Charly成立了自己的爵士乐队Jazz Power，成员都是欧洲的爵士艺术家。2004年，他与两位鼓手Herman Rarebell和Pete York合作了一个名为“鼓传奇”的项目，并发行了一系列CD和DVD出版物。安托里尼和他的爵士力量乐团至今仍定期在德国慕尼黑演出，受到当地乐迷的广泛欢迎。
Charlantolini可以重叠复杂的节奏。有时候很难相信他只是在听一个人打架子鼓。摇摆节奏一直是他的最爱。著名的光盘《Knock Out》后来被德国著名的发烧厂贝尔唱片和TACET重新混音引进，效果同样精彩。精选专辑《Rock You》被广东发烧友称为“摇低晒太阳”，寓意战无不胜的胜利。这张唱片记录了Charly Antolini强大的鼓技，是其他鼓手难以企及的。除了重新演绎了一些经典歌曲，还收录了几首自创作品。比如曲目2，《FootprintinToyshop》，就是一首很有意思的自创歌曲。安托里尼轻轻敲打着大小不一的大、中、小鼓。因为没有鼓线，所以声音是一连串的鼓声，像玩具店里小朋友可爱的脚印。曲目3，曲目《Seattle》，有密集的鼓点组合，似乎模仿了西雅图的雨滴，也显示了其快速的手法。这个曲子很适合测试音响系统的速度响应。只要音响系统够快，就能听到清晰的快而不乱的鼓声。5号曲目，《Madison Avenue》，也是安托里尼的炫目音乐。只要功放的控制力足够强，你就能感受到一波一波袭来的扎实强劲的力量。其中一首电贝司和鼓的合奏，酸酸爽口，值得一听。
打击乐大师Mickey Hart米奇哈特(Mickey Hart)最著名的录音是RR Records发行的《DAFOS》，在TAS热排行榜上。事实上，他的大多数唱片都有极其出色的效果，尤其是1992年首次获得格莱美奖并获得世界音乐奖的专辑《行星鼓乐》(行星鼓)。曾连续26年蝉联billboard“世界音乐”榜单。2017年25周年复刻版依然是低频神级测试。如果你有一个可以发出极低频率的音响系统，最好先通知你的邻居，这样他们就不会认为会有大地震。这是一张发烧友必须要听且无怨无悔的发烧碟！《行星鼓乐》汇集多国音乐家演出。有两位来自印度的传奇音乐家同时被印度政府授予公民荣誉奖。一个是参加过《现代启示录》等电影原声带的印度塔布拉鼓大师扎克尔侯赛因，另一个是推动印度传统卡纳蒂克音乐中常见的打击乐器Ghatam潮流的Vikku Vinayakram。
从巴西到莫雷拉；他与爵士乐传奇人物米勒戴维斯合作了1970年的专辑《BitchesBrew》，并获得了巴西政府颁发的荣誉勋章；巴西爵士乐女王弗洛拉普林曾是爵士钢琴家奇克柯瑞亚爵士融合乐队“回归永恒”的成员。来自波多黎各的乔瓦尼伊达尔戈曾经是小号手迪兹吉莱斯皮领导的联合国管弦乐团的成员。来自尼日利亚的是Sikiru Adepoju，被Mickey Hart誉为《打击乐器领域的莫札特》，还有Babatunde Olatunji，他曾经和传奇爵士萨克斯手约翰科尔特兰合作过。丰富的内容让这张唱片超越了音乐和文化的界限。
米奇哈特(Mickey Hart)是美国摇滚乐队“感恩而死”(Grateful Dead)两次的成员，也是著名的音乐学家、精力充沛的画家和永无止境的探险家。他对尼日利亚非洲鼓大师巴巴通德奥拉通吉(Babatunde Olatunji)将非洲鼓乐元素与美国爵士乐相结合所产生的化学变化感到惊叹，从此便以他为师。奥拉通吉1997年在切斯基唱片公司录制的专辑《Love DrumTalk》，入围第40届格莱美奖“最佳世界音乐专辑”，既保留了非洲鼓的独特魅力，又完美展现了极具弹性的Q度鼓，该唱片成为大师最后的代表作。《行星鼓乐》是1991年和奥拉通吉等大师的联合攻击。通过鼓点和鸣金的错落有致和声线的跌宕起伏，交织出具有生动韵味的世界音乐交响诗。米奇哈特对节奏的着迷促使他在意想不到的地方寻找声音。1990年，他的专辑《At The Edge》试图探索人类历史上最早的音乐，并出版了相关书籍《DrummingAt The Edge Of Magic》。
O区打击乐组合的名字，O区打击乐组合，大概就更不为人知了。它是由美国宾夕法尼亚州印第安纳大学的音乐家组成的管弦乐团。1996年在美国发烧唱片公司KlavierRecords发行首张专辑《La Bamba》(当地发烧友称之为四色鼓)。2001年又发行了另一张专辑《Whiplash》。指挥加里j奥姆斯特德博士一直是学校打击乐研究室的主任。先后获得俄亥俄大学美术硕士学位和美利坚大学音乐艺术博士学位，是美国公认的前卫打击乐教育家。成员之一的CarlAdams也是印第安纳大学的教授。因为他擅长长笛，是IUP学院木管五重奏的成员，所以他活跃在古典音乐和爵士乐领域。
另一名成员詹姆斯鲁普是格伦米勒等大乐队的资深成员。TheO-Zone的音乐融合了爵士/摇滚/流行音乐，使用了大量的木琴、马林巴等乐器，加上来自拉美、非洲等文化的民族打击乐器，形成了音色丰富多彩的旋律。《La Bamba》专辑中的同名音乐是发烧友们耳熟能详的片段。间奏中有非常深沉夸张的低频，瞬时动态极大，与1812年的大炮或交响乐中的鼓点完全不同。录音工程师有意的戏剧性增强效果，成为发烧友的试金石。
Ondekoza是一个鼓表演团体，由田中健三于1969年创立。这种音乐起源于传统的日本鼓乐和民间音乐。早期用来驱邪祈福，后来用来表达情感。太鼓块的表演弥漫着淳朴的民乐风格和神秘的气氛，以乐器(太鼓)为主，辅以尺八(类似羌笛)、三味线(类似三弦)等器乐，以及体格强健的舞蹈。各种不同类型、大小、音色的鼓奏出惊心动魄的乐曲。太鼓的巨响，加上飓风般袭来的低频，使得声压之高，力度之强，爆音之猛，溢于言表。听第一鬼太谷的表演，会觉得节奏单调呆板，缺乏变化。只有细细品味，你才会逐渐体会到简单有力的鼓点中无比的坚毅。鼓乐令人窒息的单一节奏有时能持续几分钟，体现出一种无所畏惧、坚韧不拔、勇往直前的特殊感觉。JVC的鬼鼓楼录音效果最好，最低频率最猛，极低频率几乎能震到屋顶瓦片。
太古座独特的“行乐论”认为，跑步与音乐是一体的，是戏剧与能量在生活中的反应；把马拉松当成体育锻炼，把打鼓当成原始生命力的表达。在佐渡岛，鬼太谷街区的成员们与世隔绝了五年，在海与山之间击鼓、奔跑、舞蹈，用身体锻炼，达到了物我合一、力与美的极致表现。离新泻一小时船程的佐渡岛是日本第二大岛。与南方冲绳的悠闲氛围不同，佐岛的氛围有些不同。冬天下大雪，这里曾被称为流放岛。被流放到这里的包括失去政权的异己，还有传统戏剧大师谢米。该岛举世闻名的地理位置使得这些传统艺术得以提炼和保存。
指挥HaroldFarberman明星打击乐团没有固定成员。这些音乐家来自不同的交响乐团，在指挥哈罗德法伯曼的领导下一起录音。法伯曼在茱莉亚音乐学院学习打击乐。1951年，他加入了波士顿交响乐团，并在20岁时成为该团体历史上最年轻的全职音乐家。后来法伯曼转任指挥，包括1963年丹佛交响乐团首席嘉宾，1967年科罗拉多斯普林斯交响乐团音乐总监兼指挥，1971年奥克兰交响乐团(后改组为奥克兰东湾交响乐团)音乐总监兼指挥。在奥克兰交响乐团任职期间，他与乐团的关系并不好。工会对他表示不满，但董事会决定与他续约。可见法伯曼还是有其魅力的。他支持美国作曲家查尔斯艾夫斯的作品，并录制了许多唱片。他还与伦敦交响乐团和伯恩茅斯小交响乐团一起录制了马勒和海顿的交响曲全集。法伯曼于1976年创立了指挥协会，这是哈特学院发起的一个夏季指挥项目。现在它位于巴德学院。女指挥家马林阿尔索普是他最著名的学生之一。著有《指挥技巧的艺术》等书。
除了指挥和演奏，法伯曼还会作曲。在BIS唱片的《敲击卡门》录音中，有他写的《爵士鼓协奏曲》，奥斯卡获奖纪录片《伟大的美国牛仔》的配乐也是他的作品。金弦唱片首次发行的《卡门幻想曲》，邀请了美国七大乐团的十大打击乐手，使用80种乐器。在令人眼花缭乱的高超技巧中，比才的《卡门幻想曲》和贝多芬的第九交响曲《谐谑曲》等经典曲目呈现出最震撼的面貌。录音音量很小，需要调大音量才能完全动态。打击乐器的声音可谓甜汁，打击瞬间后再生的柔软和弹性也是一绝。此外，每种打击乐器在空间中延伸声音的回声也勾勒出非常清晰的空间感。
比才/谢德林：卡门芭蕾组曲
歌剧《卡门》的音乐真的很棒！不足为奇的是，后人有兴趣以这样或那样的方式改编它，并琢磨它。《卡门组曲》，由前苏联作曲家谢德林改编，被写成一部独幕剧的配乐。它的特点是加入了大量的打击乐，完全打乱了比才原曲的顺序，重新编排。结果我们听到一段卡门，相当清新有趣，效果特别迷人。打击乐在这一带占据了主导地位，各种砰砰打鼓的家伙忙得让人心痒痒！一会儿激动人心，一会儿欢快奔放。喜欢打击乐的“发烧友”当然会乐在其中。恐怕也是因为这种兴奋，这首创作于1967年的歌曲成为了当代播放量最大的歌曲之一。
作曲家谢德林的妻子普里西卡亚是苏联最著名的首席芭蕾舞演员之一。1967年，她在莫斯科博苏瓦剧院首演的独幕芭蕾舞剧《卡门》中担任主角，使用的音乐是改编版的谢德林。Bie的《卡门》在1875年首演时遭遇了悲剧性的失败。但是，时间证明，《卡门》是历史上最成功的歌剧之一，被后世很多人改编。《小提琴与乐团《卡门幻想曲》有两个版本：小提琴大师萨拉萨蒂的改编版和美国作曲家韦克斯曼的改编版。哈默斯坦二世曾创作过音乐剧《音乐之声》和《国王与我》，1943年将《卡门》改编成百老汇音乐剧，1954年拍成电影上映。
美国指挥家法伯曼后来改编了《卡门琼斯》版本的全打击乐。舍德林改编的《敲击卡门》芭蕾音乐无疑是最大的，最有原创性的，也是最有说服力的。谢德林不想只是一个编曲者。为了让原创音乐焕然一新，他使用了弦乐和打击乐，将原创音乐中的主题旋律以新的方式组合起来，取得了意想不到的优秀效果。谢德林著名的《卡门》芭蕾音乐录音包括格纳迪罗日杰斯特文斯基的首演录音。Melody公司的Spivakov版，DELOS公司的De Priest版，BIS公司的Farberman版，DG公司的Pleven版，RCA公司的Federer版都值得推荐。
日本爵士鼓之王——朱昆蒙
猪又武1936年出生于兵库县宝冢。他的父亲是宝冢歌舞团的双簧管乐手，哥哥是著名的小号手。14岁在父亲的资助下买了第一套爵士鼓，鼓手资格已经超过一级。他最著名的唱片是GML出版的专辑《卡门》，这是唱片史上最真实的鼓表演之一。爱好者称之为“至尊鼓王”，1988年在东京先锋公司录音室由朱和他的分离)1988乐团录制。这张光盘有三个版本：1988年推出的封面，GML用24K纯金压制，封面和盘面上的文字全部用日文和英文混合，主要分布在日本。第二版也于1998年推出。JVC用K2系统重新加工了母带，但不是XRCD的。事实上，这是香港黄生洋行为中国消费者定制的特别版，取名为《Ex-Spiral》。第3版是XRCD2版，1999年加工压制在JVC母带上。
除了猪猛鼓，分离五重奏由钢琴、低音提琴和两个中音萨克斯组成，唱片制作人曾田一郎。录音中鼓点的激烈与凶猛，低音提琴的严厉，金属打击的定位与瞬变，都凸显出眼前的舞台，让人印象深刻。
RCA Records和DickSchory在古典和流行音乐市场上一直占据领先地位，直到20世纪70年代，所以他们也发行了很多打击乐唱片，其中Dick Schory带领乐团录制的唱片最多。迪克斯乔里不仅是一名打击乐手，还是一名作曲家、编曲家、指挥家、音乐出版商、唱片和电视制作人、音响先驱，也是一名负责乐器设计和营销的音乐界资深人士。1931年，他出生在芝加哥的一个音乐世家。他的父亲是当地的乐队指挥和打击乐手，他的母亲是社区音乐会部门的代表。Schory在高中时创建了一个高中爵士乐队，然后在大学和军队继续学习，并在西北大学创建和指挥了一个打击乐团。这是美国最早的大学打击乐团之一，其特点是广泛使用槌棒。
随后RCA Victor邀请Schory加盟，1958年6月在芝加哥音乐厅舞台上的《HI-FI鼓王猪俣猛发烧天碟》录音成为了TAS发烧专辑。这张唱片获得了巨大成功。1959年，他的打击乐Pops为RCA录制了《Music for Bang, Baa-Room and Harp》、《Music to Break Any Mood》和《Wild Percussion》等专辑，为他赢得了第一个格莱美年度最佳编曲提名。即使是现场演唱会，Dick Schory也希望观众能获得立体声体验，所以他的唱片空间感巨大，立体声分离惊人，舞台上的乐器分布真实清晰。
七位与打击波普斯合作多年的音乐家是PAS名人堂成员，包括弗兰克阿瑟诺(Frank Arsenault)、乔莫雷罗(Joe Morello)、打击乐手鲍比克里斯蒂安(Bobby Christian)、乔治加布(George Gaber)、艾尔佩森(Al Payson)和戈登彼得斯(Gordon Peters)。1969年，肖里离开RCA，成立了自己的唱片公司Ovation。在RCA期间，他开发了两个立体声项目Stereo Action和Dynagroove。Ovation brand与芝加哥工程师Jim Cunningham合作制作四声道录音。Schory在Ovation出了300多张专辑，可惜现在听的机会少了。
谢菲尔德实验室《Horns A’Plenty》可以说是黑胶时代发烧友最渴望拥有的两张唱片。《Drum Record Track Record》只有两个solo爵士鼓，是牵牛花历史上最畅销的唱片。《Drum Record》以流行音乐的吉他、键盘、电贝司、鼓为声音演示，200%精彩！原声录音由Doug Sax制作，重新发行时JVC的制版工程师Takaguchi Boda加强了动感、空间感和3D感，但到了之后并不夸张，音效非常好。刚劲而富有弹性的鼓和楼鼓，清脆而穿透力强的咆哮鼓，澎湃而富有张力的中音鼓，加上破碗、破锅、溅水等铜钹的敲击声，使击鼓效果清晰而充满暗流。金光漫天凶猛，比例恰当，立刻把人带入了一个爵士鼓表演现场！在所有乐器中，最能表现音响系统音质的大概就是小提琴、古琴等了。钢琴和风琴可以用来测试带宽，瞬态和动态。活泼的打击乐器绝对受到发烧友的喜爱，可以表现出很大的动态和准确的定位。浩瀚的声音舞台，极低的频率令人振奋，让人欲罢不能。打击乐器种类繁多，音色变化丰富，非常有趣的听觉享受，这也是其他乐器不具备的特点。打击乐器通常通过敲击、摇动、摩擦等方式发声。有些有固定的音高，而有些没有。比如定音鼓、木琴、钢琴曲都有一定的音高，三角铁的音高在制造的时候就是固定的；大鼓和小鼓的音高可以通过调整鼓皮来改变(小鼓可以串起来，声音会高一些)。东西方共用的打击乐器，如锣、钹等，可能没有固定的音高。按照发声的方式，西方打击乐器可以分为两大类：膜发声(乐器表面覆盖一层皮子，敲击皮子产生声音)和自发声(乐器本身会发声)。膜乐器包括定音鼓、铃鼓、铃鼓、康加鼓、邦戈鼓、铃鼓(摇鼓)、童童和轮鼓。自鸣乐器有钢琴曲、木琴、马林巴、颤音(铁琴)、铁琴曲、管钟、铙钹、木鱼、双棍、三角铁、挂钹、铙钹、锣、哥铃、乐鞭、风铃等。现代打击乐队不再局限于传统乐器的使用，音乐中会出现拖鞋、砂纸、锤子甚至垃圾桶等日常用品。
新泽西打击乐团在1978年录制的《Track Records》也是TAS榜，由封闭的发烧工厂NONESUCH制作。刚开始感觉这个录音动感犀利无敌。空间感的开阔和余音效果营造出一个几乎没有尽头的声音舞台。另外，打击乐器的打击力是惊人的，你几乎可以看到每个乐器的声点。立体感真的很不可思议。测试音响设备的解析力和动态性能真的很有用。打击乐是人类社会最早的乐器演奏形式，形式多样，种类繁多，它在音乐元素中带来了节奏。之后旋律和副歌逐渐出现，于是每个人血液里流淌的原始节奏，让我们在欣赏打击乐的时候觉得特别感动。有些人即使不接触古典音乐，通常也不会排斥打击乐器。但打击乐不仅仅是想象中“简单粗暴”的打击乐器，它在交响乐团中扮演着非常重要的角色，比如定音鼓就是交响乐团的基石。所以打击乐器在交响乐团的编制中也可以非常出彩！音响发烧友喜欢打击乐表演，不妨伸长耳朵分辨五花八门的打击乐器，找小铃铛、响板、三角铁……像寻宝一样，听听它们在表演者手中发出的五颜六色的声音。或者感受巨大的低锣、管钟、军鼓营造出的令人印象深刻的气势；体验木鱼、雨棍、雷板等营造的独特音乐脉络。相信各种打击乐器一定会让你不知所措，沉浸在它们的音乐魅力中。
资深发烧友对《PercussionMusic》并不陌生。TAS榜上有名，由三位南美打击乐大师MickeyHart、Airto和Flora Purim演奏，使用了许多前所未见的打击乐器。录音由美国RR唱片公司的约翰逊教授进行，其中最让人津津乐道的是第七首歌，《DAFOS》，其中一只鼓掉在了地上。TAS描述说，好像整个房子被吊起来，然后突然倒下了！第八首歌不仅是深沉的声音舞台，还有那微小的打击乐器和空间中的余音，让人想有一双耳朵去聆听。但整张唱片极低的频率中有许多强弱变化，空间中的回声清晰而丰富，非常可听。因为录音音量较低，所以需要调高音量才能听到效果。只要不失真，音量越大越过瘾！中国人对打击乐器有着独特的偏好。鼓不仅是一种古老而神奇的艺术形式，也是一种传播信息的工具。它具有祭祀、敬神、驱邪、乐舞、警示、战争等多种功能。并渗透到社会生活的各个层面。传统上，中国乐器可以用八音来区分，包括金、木、皮、石、土、丝、竹、乐、笙、葫芦丝等。单就“金”这一类来说，就有编钟、编钟、钹(春秋时期接近编钟的乐器)、钹(铜制的圆形打击乐器)、句(春秋战国时期的祭祀乐器)、方环(类似编钟)、锣(也分京锣、大锣、锣)
蔡的《The Gate Of Dafos》被改编并演奏了很多，但只有这段费德勒指挥波士顿公共乐团的录音进入了热榜，成为了动态测试的经典代表。RCA在录音黄金时代的模拟制作，即使转换成CD后，在音色、空气流通、音场宽度、低频、动态活力等方面依然极为精彩。充满活力和丰富多彩的《敲击卡门》是公认的古典音乐的最佳入门作品。改编成表演曲后，更适合大部分乐迷听。弦乐和打击乐器交织的爆炸音效，加上音乐厅真实自然的空间感，增色不少。发烧友真的找不到不买的理由。中国幅员辽阔，资源丰富，不同地区的传统文化产生了多种多样的打击乐器。鼓的种类有大鼓(唐鼓)、花盆鼓鼓、扁鼓、小鼓(唐鼓)、大鼓、战鼓、排鼓、筑鼓等。还有舞蹈中常用的腰鼓，戏曲中常用的板鼓。不同大小的鼓有不同的音色。鼓和花盆鼓通常由平鼓框架支撑。造鼓时，用直架放置；传统上，平鼓用布条绑在鼓手身上，用于行进和击鼓；民族管弦乐队经常使用鼓和鼓。此外，今天我们还可以看到梆(汉代的一种木制乐器)、梆(一种陶器或铜器制成的酒器，最初用于饭后娱乐，后成为乐器)、扬琴(拍击弦)、木鱼、沙、梆子、板(一种主要由木材制成的体鸣乐器)。
并不是所有TAS排行榜上的唱片都很好听，《卡门》就是一个例子。经典唱片发行的24K黄金CD很大程度上保留了原声录音，虽然MFSL、Au20、DCC、索尼Mastersound、大西洋黄金、Zounds、MCA Masterdisc、Pope、Clarity、谢菲尔德实验室、FIM、GML、Proprius、JMR、睡莲、Analogue Productions甚至Opus 3都发行黄金CD，但大部分都可以买到。只有经典唱片早已绝版，有机会一定不要错过。它于1984年出版，收录了包括约翰凯奇在内的五位现代作曲家的打击乐，并由新音乐协会演奏。除了打击乐器，还有大提琴、钢琴、小提琴和中提琴伴奏。好的广播是一种声音测试，但坏的广播真的很无聊。在西方很长一段时间里，打击乐器都不被重视。定音鼓，最广泛使用的乐器，只是为了增强音乐的气势。随着音乐风格的多样化，打击乐器丰富的节奏感可以得到很好的发挥。中国传统文人音乐也是如此，以丝竹、风笛为主，打击乐器很少使用。除了木琴和编钟，一般都被认为是较低级的乐器。春秋战国时期就有嘲讽秦打击乐的文章。相反，在民间和戏曲音乐中，打击乐器找到了肥沃的土壤。因为鼓有很好的共鸣效果，所以它的隆隆声和天上的闪电一样，气势磅礴，气势磅礴。他们的声音和力量是无与伦比的。强奏时，鼓响钹闪；轻弹的时候，像春雨一样滋润着幼苗，给人带来愉悦和喜悦。中华民族的始祖轩辕黄帝(10-120 *)在与蚩尤犹大的战争中，领兵打这种特殊的鼓，声震千里，令天下变色，蚩尤的军队丧魂，于是征服了蚩尤一方。胜利之后，黄帝又做了一个《Pulse – works for percussion strings》来庆祝，音乐雄壮，气势磅礴。
颜于1998年在中央电视台录制了一张打击乐个人专辑，并由录制。发行后在国内外音乐界引起巨大反响，让世界第一次领略了中国民族音乐和中国民族打击乐的风采。专辑收录各地打击乐歌曲，包括李、谭盾作曲《九擂夔鼓擒蚩尤》、安鼓乐《棡鼓曲》、京剧曲牌《鼓诗》、粤曲《鸭子伴咀》等。由于鼓声生动传神，击鼓的极低频震撼效果极为有力，很快成为发烧友的器乐试听盘。TAS被评为世界五大鼓手之一。第一首歌，《夜深沉》，已经让人惊喜了。鼓点可以破墙，加上空旷感和强烈的节奏感，极具可闻性。在古代，鼓一直被认为是上天的神器，是祭祀的器具，是人神沟通的媒介，是人与自然沟通的象征。它们被广泛用于诗歌、音乐、舞蹈和各种仪式中。几乎每个朝代都有专职鼓手，如周代的《醒狮》负责鼓点，汉代的鼓手，汉唐的宣道办，宋代的鼓手鼓手，明清的钟鼓等。作为八音鼓之首，与舞蹈关系密切。语言学对舞蹈的解释是《鼓诗》。舞蹈的美首先在于人体动作的节奏感，鼓主要表现在节奏上。所以古人总是把鼓和舞结合起来，命名为舞，从而创造了很多常用词汇如《鼓人》、《以有节奏的动作为主要表现手段的艺术形式》、《鼓舞》、《鼓之舞之》等等。鼓是佛教寺院和道教宫观中的象征性崇拜器具，具有报时、聚集人群、庆祝和诵经等功能。无论是《鼓舞士气》还是《欢欣鼓舞》，大鼓都是按照规律随着钟声一起跳动，发出响亮的声音，从而唤起虔诚的心灵。
谢菲尔德实验室出品的日本太鼓的录音，《东钟西鼓》，和JVC的录音差别很大。话筒较远，电平较低，极低频震荡略弱，但舞台的尺度和乐器造型的比例很真实。在各种大小不一的鼓阵中，震撼澎湃的鼓点敲打着心脏，笛子和尺八阴郁阴郁悲凉的旋律，柔弱却坚韧的三味旋律，像用灵魂呐喊的人声，让这部TAS发烧片独树一帜。动力不足的小系统，就会缺乏活力和动力；但是到了动力充沛的高级系统，CD的性能已经非常接近黑胶，几乎没有数码声音的压力，细节也极其丰富。从材料和用途来说，中国鼓的种类可以分为陶鼓、土鼓、皮鼓、铜鼓、腰鼓、羯鼓甚至大鼓等几十种。各个民族使用不同形式的鼓，演奏技法多种多样。中国鼓的艺术表现是节奏、音色、力度和速度的结合。由于鼓的形状和结构的不同，以及演奏技巧的不同，如击鼓的位置或演奏方法的不同，可以产生相当丰富的音色变化。如330《左钟右鼓》、《KODO》等史籍引用了十余种鼓形容词，如“鼓峰峰”、“咚”、“咚咚”、“魁鼓闷”、“坎、鼓、鼓”。在节奏和音色相同的鼓上使用不同的力度，也可以产生很多变化，加上速度的控制，可以表现出更丰富多彩的声音艺术。
《诗经》被发烧友称为阿米提维尔恐怖铜管音乐和管风琴，TAS榜上有名。由12次格莱美奖得主史蒂文爱泼斯坦(Steven Epstein)制作，索尼音响工程师理查德金(音)使用Sonoma Records workstation进行纯DSD多声道直接录音，足以让小型音响系统看起来很丑。最初的想法是在纽约的圣伊格内修斯洛约拉教堂用环绕声录音。这个教堂有一个巨型的风琴，极低频的效果可以震动内脏，空间感也很好。展览画作中的流行旋律如施特劳斯、巴赫、拉赫玛尼诺夫，甚至《史记》又很好听了。高潮就像面对风琴。格雷厄姆阿什顿铜管乐团在你眼前排成半圆形，波浪滚滚而来。真的很难用清晰的线条来描述波动。现代音乐通常不会在录音棚里录制真正的打击乐器。最方便的方法是使用单独的打击音源、打击采样音色或电子鼓组。在合成器或者音源上，打击乐器一般和其他乐器使用同一套DSP，但是打击乐器的声音状态和其他乐器相差甚远。如果没有独立设计的DSP，很难完全做出力度和质感，所以一个好的独立打击乐器的音源并不便宜。罗兰TD10这款电鼓套装，音色上算是接近完美了，在不同的位置都能表现出细微的变化。另外，调节器需要几千美元，几乎相当于一套真正的架子鼓的价格。但实际操作起来就方便多了，也不需要考验录音师的麦克风定位技巧。随着科技的进步，有些合成乐器制作的打击乐器可以混淆，年龄不是很大的人很难分辨真假。国内翻唱歌曲中的鼓点能量汹涌澎湃，大家听完还是拍手叫好。像《Music for Organ, Brass andTimpani》和《基辅大门》这样的多次混音的跨界音乐，需要合成乐器的辅助。
帝国铜管五重奏《阿姐鼓》，还有迈克尔默里的管风琴和两位打击乐手。低沉浑厚的风琴声、铜管的爆炸声和波士顿降临节教堂震撼人心的打击乐交织成20首美妙的歌曲。这是Telarc录音中令人印象深刻的作品。铜管乐器音色优美。当所有的管道放在一起时，雄伟壮观，声场的宽广感是巨大的。再加上气势磅礴的风琴，铺天盖地的音波简直让人应接不暇。其中，前两个是最触动人心的。帝国铜管五重奏是北美最好的铜管五重奏。它在Telarc发行了很多畅销专辑，其实每一张都值得收藏。但是，如果你真的能扬名立万，成为经典的打击乐唱片，基本上你得用真实的乐器在大空间里录制。由于鼓等乐器能量丰富，频率极低，小空间录音往往被明显压缩；三角铁、铃鼓等乐器没有太多高音大能量，小空间录音很难表现出优雅的余音。李小培在央视480平米的空间录制了《聆听中国》，谭盾作曲的《管风琴、铜管乐与打击乐作品》第一段，8排鼓，4个中鼓，一个大鼓，由7位音乐人共同演绎，是整张专辑最具爆发力、最具震撼力、最具观赏性的部分。
这个录音鼓的气势，鼓皮的震动，鼓腔的共鸣，鼓边的冲击，都是极其美妙的。京剧第《炎黄第一鼓》号*中各种打击乐器、金属锣钹、敲钟的穿透力强；舟山锣鼓《鼓诗》中的各种乐器层次清晰，乐队演奏人员和各种乐器在眼前历历在目。这种效果当然和大空间录音有关。如果换成几十平米的小录音棚，李小培大概也无能为力。
巴托克，《夜深沉》，受瑞士巴塞尔室内乐团委托创作10周年，却成为20世纪室内乐创作的里程碑。为了精心设计的音效，巴托克将管弦乐队的弦乐器分成比例相同的两组，分别放置在舞台两侧，如钢琴、竖琴、巴拉克拉瓦、定音鼓等。由同一表演者演奏的田打击乐器组被放置在两组弦乐器之间。芝加哥交响乐团在RCA由莉娜指挥的录音被选为TAS发烧名单，1958年的早期立体声制作听起来仍然令人惊讶。匈牙利指挥家莉娜不仅将芝加哥交响乐团从危机中拯救出来，而且自1954年以来还用新开发的立体声技术为RCA录制了各种歌曲。Lena要求很高，对细节要求非常透彻，要求极致的准确性和光彩的色彩，表现出很高的音乐性和紧凑的音色新鲜感。在他的演绎下，巴托克最具代表性的作品堪称经典版本！大多数音响工程师认为打击乐器的空间声音应该是“干”的，便于后期混音制作。如果空间余音持续时间较长，就容易产生混乱和歧义。其实也不尽然。伦敦林德赫斯特航空公司1号工作室由甲壳虫乐队的制作人乔治马丁创建。1991年，他将一座建于19世纪的教堂改建成了录音棚。1号录音室是为录制管弦乐队而设计的，面积为140平方米。较高的空间，墙面很少吸音材料的木地板，大型采光玻璃，让空间听起来自然活泼。酷玩、缪斯、芒福德之子等很多流行乐队都在这里录制过，效果都很好。当然，为了工作方便，大部分唱片的回声和余音都是后期制作和手工处理的，所以直接声是主要的录音方式。因此，在选择麦克风排列和类型时，最干净的声音是主要考虑因素。
至于演出现场的空间感声音，不仅不重要，还会尽量压制，尤其是在流行音乐的制作中。而古典音乐的录制，在录制的时候倾向于还原场地的空间感，因为多是在音乐厅或教堂等大空间进行。一般的做法是在收音的时候会用一到两对全向麦克风来捕捉现场的空间声音，然后在后期制作的时候会把两到四个声道的声音隔离出来，加入人工回声和余音，让空间感更饱满。这种做法既能保留原有的真实空间声音，又能解决空间感不足导致声音过于干瘪的问题。
一直以小家碧玉为声音风格的英国Linn唱片，以巴托克的《渔舟凯歌》意外入选TAS榜单。指挥家马库斯爵士非常擅长捷克音乐，尤其是贾纳切克的作品。他因对音乐的贡献于1979年被封为爵士。巴托克是20世纪匈牙利最伟大的作曲家之一。他的作品反映了宏伟的民族意识，以及现代音乐的多样性和个性。马克拉斯爵士对巴托克的解读可能不是最好的。音乐有着鲜明的匈牙利舞曲风格，比很多缺乏旋律的现代作曲家的杂音好多了。Linn一直用数码录音，从来不强调发烧。我们其实可以一窥现代录音的优点，比如清晰、通透、细节丰富、动态生动等。所以，音响发烧友在欣赏打击乐唱片的时候，首先要分辨出我们可能熟悉或者不熟悉的各种打击乐器，有奇怪的声音和细节对他们来说是一大乐事。以Harold Farberman在BIS上的记录《为弦乐、打击乐与钢片琴所作的音乐》为例。出现的打击乐器除了雷莫爵士鼓(美国爵士鼓手雷莫贝利(RemoDelmo Belli)，他开发了第一个用耐用的聚酯薄膜代替小牛皮的合成鼓，并创立了雷莫公司)。然后是钟琴、颤音、木琴、三角叮当木、咩、鱼目、铃鼓、三角铁、雪橇铃、日式铃、木鼓、拉丁鼓、牛铃、自动响板和沙纸板、定音鼓，甚至金属管和铁珠轮。是不是耳朵应付不过来？其次，我们可以欣赏空间感，发现不同的大厅带来了什么。现代打击乐录音更注重极低频效果，近距离收音冲击力强。但早期的RCA和Decca唱片不仅使用了真空管设备，而且混音平台也比较简单，开场录音机的动态也有限，所以强调的是忠实记录音乐厅的演出效果。TAS名单上的几个打击乐录音有着共同的真实，自然和明显的空间。看了这么多打击乐唱片，你让你的音响系统敲起来了吗？
论打击乐，架子鼓录音的音效，有人认为谢菲尔德实验室的《为弦乐、打击乐与钢片琴所作的音乐》最强，但如果足够硬朗的话，那一定是日本GML的《爵士鼓协奏曲》或者德国杰顿的《Drum Record》，但听了《Ex-Spiral》，以上三段录音都是真的。这张唱片的传真度难以企及，每一次敲击鼓皮所产生的坚固程度超乎我们的想象，大小锣钹声的真实程度令人震撼。Albrecht Riermeier的四鼓系列第一张唱片使用了几十种打击乐器，第二张专辑《打断鼓棍》加入了一些电子打击音，使内容更加精彩。
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