影响几代人的10位世界级当代摄影大师

摄影在其诞生之后的一百多年里，促生了难以计数的影像和拍摄者。而其中，能够使摄影成为一门独立艺术，并做出重要贡献的人却凤毛菱角。回溯到20世纪70年代末开始的这段

回顾始于20世纪70年代末的当代摄影史，无论是“新彩色摄影”的先驱史蒂芬·肖尔；沃尔夫冈·蒂尔曼斯（Wolfgang Tillmans）“重塑”了传统摄影；埃拉德·拉斯里(Elad Lasry) 将摄影推向“哲学”形式。无一例外，它们都构成了20世纪下半叶当代摄影史上的一个重要节点。

我们不仅可以看到他们在摄影风格和语言上的探索和创新，还可以看到他们独特的艺术思想和鲜明的艺术理念。

他们探索摄影本身，使摄影语言高度纯化，进而以摄影语言为媒介思考世界、观察世界、关怀内心、建构自我，不断推动当代摄影的发展在“个性化观看和个人表达”中。在艺术的道路上走得更远。并通过他们不断的摄影和实践，影响了几代艺术家和摄影师。

在此，我们整理了10位世界级的当代摄影大师，供各位摄影爱好者欣赏。

维维安·迈尔

颠覆街拍大师的保姆摄影师

维维安·迈尔

维维安·迈尔（Vivian Maier，1926-2009），出生于美国，从未结过婚，默默无闻地做了40年保姆，一生拥有15万张未冲洗的底片。直到2007年，她的作品才被发现并传播到世界各地，她被评为当代最重要的街头摄影师之一。

2009年，维维安·迈尔在芝加哥的一间小公寓里安静地去世。正如她在录音中所说，“为其他人腾出空间。”

维维安·迈尔

就在她去世前两年，芝加哥房地产经纪人兼垃圾收藏家约翰·马卢夫(John Maloof) 碰巧在一次拍卖会上买下了维维安·迈尔(Vivian Maier) 的一盒底片。

当他透过灯光看着那些精彩的底片时，不禁对这位才华横溢的摄影师“Vivian Maier”产生了无比的好奇。于是，花了很长时间，他通过底片夹着的纸条和收据，找到了更多她放在废弃储藏室里的盒子，这也让马鲁夫找到了薇薇安·迈尔。更多底片和大量8 毫米胶片。

1950年代至1970年代纽约、芝加哥、埃及、泰国、南非等地的15万多张底片中，没有一张被冲洗出来。

维维安·迈尔沉默寡言、神秘而敏感。她擅长用禄莱双反相机进行俯视拍摄，不易被人注意到。在她的街头摄影中，拍摄对象处于一种极度“恍惚”或“恍惚”的状态。

这种绝对的特写捕捉和与人性原始情感的匕首相遇颠覆了以往所有的街头摄影大师。与“恶毒”的男性街拍大师不同，她的街拍更注重人物微妙的神态和人文景观。

另外，由于自身的生活经历，薇薇安·迈尔拍摄的大多是社会中的边缘人群。这使她成为20 世纪50 年代和1960 年代最伟大的纪实艺术家之一。

马丁·帕尔

英国消费纪实摄影大师

马丁·帕尔

马丁·帕尔（Martin Parr，1952 年至今），英国纪实摄影师、玛格南图片社前董事长。他的作品日常幽默，反映了消费社会的平常平庸、无聊和荒诞。他用色彩丰富、色调丰富的照片嘲讽了资本世界的空洞游戏，代表了当代主观纪录片的新方向。

说起马丁·帕尔，他绝对是摄影界的超级巨星。

这位表面温和实则心狠手辣的老人，三十多年来一直致力于用相机残酷地揭露生活的真相。他鄙视温柔，将社会分为三部分。娱乐、消费、交流是他多年来拍摄的主题。

《奢侈》、《最后的度假胜地》、《小世界》、《常识》都是他的知名拍摄系列。他喜欢根据生活创作虚构，他的拍摄就是为了探索社会本身的各种偏见。然后，将它们全部放入一张照片中。

他的作品色彩鲜艳，图像杂乱。它们乍一看可能有些夸张甚至荒谬，但最终却产生了来自未知方向的密集影响。它们可能是巨大的喜悦，也可能是巨大的空虚，偶尔还有……人间的荒凉。

他的拍摄地点从伦敦、巴黎、莫斯科到亚洲的东京、迪拜和北京。他选择充满物质主义和诱惑的场合，比如车展、飞机博览会、艺术博览会、珠宝展、赛马等。宾客们盛装打扮，被香槟和鲜花陶醉。

但通过马丁·帕尔的镜头，这些精心打扮的生活之下却隐藏着太多的瑕疵。有时它是一只栖息在女士帽檐上的小苍蝇，有时它是华丽礼服上的一个小污点。

埃拉德·拉斯里

新一代跨界影响力摄影师

埃拉德·拉斯里

Elad Lassry（1977 年至今）是一位以色列裔美国当代艺术家，目前居住在洛杉矶。他的作品跨越摄影、电影、绘画、雕塑、装置等领域，从而用不同的形式思考图像传达的可能性，将观者带入空间、图像、实体、色彩和结构的复杂世界。从而模糊了艺术、摄影和感知的界限。

埃拉德·拉斯里（Elad Lasry）曾坦言自己不是摄影师，“只是他作品的最终形式恰好是照片”。

这位横跨摄影、电影、绘画、装置等领域的艺术家正在将摄影推向哲学的视角。平面图像并不是他的主要表达方式。他正在思考更多元的概念，比如图像、空间、构图、沟通、共识等等。

影响几代人的10位世界级当代摄影大师

而且他自己也很少拍照。大多数来自书籍和杂志或购买其他摄影师的作品。他用新的构图和语境诠释这些收集到的图片，并将它们结合到自己的摄影雕塑中。摄影装置带来全新的视觉体验。

埃拉德·拉斯里摄影的标志性创新主要体现在以下三个方面：

1、照片与背景框同色，带来“溢出”的真实视觉体验；

2、图像与物体的混搭，模糊了二维与三维的界限；

3、泛图像手段的运用，与摄影、电影、绘画、雕塑、装置并置互动，形成后图像时代框架化的创作方式。

正如这些作品所表明的，他的视频作品很有趣。这些色彩丰富的画面利用同样色彩丰富的单色背景，将准确曝光和准确对焦的拍摄对象置于画面中央。但仔细一看，张二和尚却不知所措。这些作品促使读者问自己：“我到底在看什么？”

埃拉德·拉斯里说：“我想知道有没有可能，虽然我们看到的是一张平面照片，但它不仅仅是一张平面照片，而是让我们想起了一些多维的‘物体’。另外，当我们把它呈现在这个艺术的方式，我们是不是可以暂时把这种表现方式抛在脑后呢？”

结果，他将摄影推向了一种更具哲学性的方法。图像的内容不是要向我们传达的信息，而是通过多重表达，聚焦于“摄影的状态”。

沃尔夫冈·蒂尔曼斯

重新定义摄影的人

沃尔夫冈·蒂尔曼斯

沃尔夫冈·蒂尔曼斯（Wolfgang Tillmans，1968 年至今），一位重新定义了摄影的人，也是过去20 年来最具影响力的摄影艺术家，他对拍摄什么以及如何展示它有了全新的视角。世界。他的作品主题广泛，从日常到抽象，视觉上独特且非常平易近人。

在当代摄影领域，德国艺术家沃尔夫冈·蒂尔曼斯无疑是最重要的名字之一。他的重要性在于“重新定义”摄影，他的摄影实践和摄影理念深刻影响了世界各地的后继者。

为什么要“重新定义”？因为他根本不拍人们所说的“摄影”。 “我的作品让社会思考什么是可以接受的？别人认为可怕的东西在我看来可能是美丽的。”他成功地颠覆了看似矛盾事物的界限，包容了所有的主题。在你自己的系统内。

对他来说，摄影不再是墙上的展品，他也不追求“美”。在他的摄影理念中，观众就是摄影师。换句话说，摄影师的一部分始终存在于照片中。

他也不提倡照片编辑，并对这种行为表示不理解。他坚持认为观众看到的和他通过镜头看到的是一致的。他认为这是最自然的，远远优于各种后期制作。

“我的照片一拍就差不多完成了，所以没有麻烦的后期处理。也正是因为这个原因，我爱上了电子音乐。轻轻地就能做出疯狂的事情。我很幸运能成为这样的人。”诞生于一个时代。”对于蒂尔曼斯来说，照片就是一张纸，可以从一张白纸变成非常艺术的东西。

因此，提尔曼斯的作品看似随意，但却呈现了他最真实的一切。水槽里堆着没洗的餐具，盘子里剥了皮剩下的水果，成品矿泉水瓶里随意插着美丽的花朵……他的照片捕捉并呈现了现实世界中的各种事物。

当蒂尔曼斯刚开始拍摄肖像时也是如此。他有意识地去除了当时人像摄影中盛行的“艺术舞台”技巧。拍摄对象不需要经过美化才能出现在镜头中，也不需要为自己所谓的糟糕的存在状态道歉。

提尔曼斯以一种看似随意的方式呈现出一种独特的力量感，抛弃长篇大论和微弱的悲伤，直达人们目光背后的内心。

南戈尔丁

私人纪实摄影的鼻祖

南戈尔丁

南·戈尔丁（1953年至今），美国摄影师，“私人纪实摄影”的鼻祖。她用镜头记录下了她一生中所爱之人的所有欢乐和痛苦。这些陌生的生活共同构成了她二十多年的摄影生涯。同时，她也成为了几代摄影师的路标，开启了我们用相机进行摄影的大门。

1984年，南戈尔丁被男友殴打。然后，她勇敢地将鼻子和眼睛淤青的照片放入著名的《性依赖的叙事曲》。从此，他打破了摄影师只是旁观者的惯例，转而将镜头聚焦在自己的私生活上，从而开创了“私人纪实摄影”的新流派，大胆地将私人生活纳入纪实摄影领域。

南戈尔丁

1953年，南·戈尔丁出生于美国华盛顿的一个中产阶级家庭，她是四个孩子中最小的一个。

11岁时，姐姐在火车上自杀身亡。那个躺在他身边对他低声说话的姐姐就这样消失了。这种震惊让南戈尔丁拿起了相机。她一心想寻找妹妹的踪迹，却只剩下手里攥着的几张照片。以至于南·戈尔丁的许多作品都署名：“致我的妹妹芭芭拉”。

她开始意识到照片的用途：相机可以记录她失去的生活，让她不会忘记。尽管她生命中非常重要的人已经不在了，但仍有十几张照片展示了她以前的丰满身材。这些照片不是对死亡的展示，而是对个人生活的回忆。

14岁时，她离家出走，她最好的朋友大卫带她进入波士顿的边缘群体：同性恋者、双性恋者、易装癖者等。

在波士顿期间，戈尔丁从生活本身中了解了生活。她选择的老师是这座城市的变装皇后，她们让她着迷，并为她提供了进入平行世界的门户。 “他们是我见过的最漂亮的人。他们喜欢我并让我拍照，”她说。

这些作品首先以带有音乐背景的幻灯片形式出现在美国各艺术博物馆，并于1986年以题为《性依赖的叙事曲》的文集出版，引起了巨大反响。

影响几代人的10位世界级当代摄影大师

南·戈尔丁（Nan Goldin）躲在镜头后面时能够表达出她的同理心。她可以让这些边缘人对她放下戒心，放松下来，真正表达自己；她还可以将这些支离破碎的生活连接成一条链条，表达内心的冲动和自我生活。这是她的天赋，也是一个优秀摄影师所必须具备的能力。

守山大道

孤独的狂野大师

守山大道

森山大道（1938年至今）以其狂野、高对比度、粗颗粒、模糊、抖动、失焦的图像，充满了对生活的渴望和个体的孤独感，激励了无数热血的年轻人。他也被世界公认为日本的代表。性摄影师。他的图像聚焦于极其个人化的日常欲望，同时也反映了一个时代和日本社会景观的奇异变迁。

森山摄影已有40年，但他只拍了一个场景：城市街道。

他是一位“奇怪”的老人，将自己比作“野狗”，甚至还为他拍了一张著名的照片。照片中的狗眼神凶狠，对比度高，颗粒感粗糙，给人一种危险的气息，就像一头来自北方的狼。

在森山的照片中，不安和焦虑的感觉尤为突出。这种焦虑也来自于日本社会的普遍状态，这与日本当时的地位有很大关系。

20世纪50年代和1960年代，由于日本战败，整个社会充满动乱，整个民族深深地纠结在屈辱与自卑与自信与自满之间。

因此，在森山眼中，这就是日本社会的现状。充满焦虑，甚至暴力和怪异。日本人内心深处的敏感和直觉也是森山想要表达的方面。这种野兽般的特质隐藏在礼貌的态度和精致的程序中，让人误以为这些就是日本的精神。

将摄影与整个社会状态联系起来，将自己的世界观融入到自己的作品中，创造出一种新的街头摄影类型，这或许就是森山成为大师的原因之一。毕竟，精美的照片只能通过训练才能掌握。有的人可以画很多图，但能够创作出有思想、有强烈个人独特性的作品，才是一个大师应该具备的品质。

漏光、局部放大、划痕、斑点、抖动、倾斜、失焦：森山的作品基本都是由“废胶片”组成，他完全抛弃了传统摄影美学。当有人质疑他的作品时，他反而会问：“为什么你那些矫揉造作的图像可以称为摄影，而这些真实的、偶然的记录却会被你扔进废纸篓？”

可以说，森山大道是日本摄影的一条道路。他坚持街头摄影50年，拒绝商业摄影和观念表达，却从具象走向抽象，从日常生活走向艺术的最高殿堂。

维维安娜·萨森

举世瞩目的女摄影师

维维安娜·萨森

Viviane Sassen（1972 年至今）是荷兰新锐女摄影师。她因“与主题的密切联系和冷静的观察”而获得荷兰罗马奖。同时，她也是一名时尚摄影师。为很多时尚品牌拍摄宣传照，就像拍艺术照一样，她也会把模特的衣服藏起来。

“隐藏”是Viviane作品中的标志性风格。

她经常将拍摄对象隐藏在树枝、草地、楼梯角、家具和飞行的足球后面。她利用强烈的明暗对比，让他们站在阴影中，站在高光背景前，或者干脆转过身来。

然后，她用一具身体挡住了另一具身体，形成了奇异的重叠影像，让无脸的身体在重叠的空间里说话、跳舞。这其实源于她童年在非洲的记忆。

Viviane 从2 岁到5 岁都在肯尼亚度过，她的父亲在那里开设了一家专门治疗脊髓灰质炎患者的诊所。薇薇安与周围的黑人有广泛的接触。她后来多次提到自己宁愿拥有黑色皮肤，“白色总是显得那么赤裸裸，令人不安”。

她的作品中鲜艳的色彩、华丽的图案、强烈的对比总是给观众带来无尽的视觉享受。她也总喜欢通过光的变化和折射来迷惑观众，重塑记忆和梦想。

与此同时，不到50岁的萨森可以说是时尚摄影界最炙手可热的人物之一。 Sassen曾为多个时尚品牌拍摄过宣传照，Diesel、So、Miu Miu都是她的雇主。

山本正雄

虚空与空虚，灵性导师

山本正雄

山本正男（1957年至今），具有国际影响力的日本摄影师。他的照片尺寸极小，构图空灵，使小物显得更大，模糊了摄影和绘画之间的界限。通常他会把照片弄得又旧又暗，故意把它们撕开，在照片上作画……他的作品充满了深邃的禅意和东方哲学的精髓。

山本正雄是继森山大道、荒木经惟之后最具影响力的摄影师之一。然而，与荒木经惟的热情和外向不同，他总是独自坐在角落里，低着头默默地吃饭。

沉默、安静、克制……这是属于山本正夫的词语。这位具有日本审美特色的摄影师，大概是世界上唯一能把小而美的事物拍成诗的人了。他的作品既有诗意的静谧与流动，也有东方的禅意与旋律。

山本正雄早年学习油画，20世纪80年代开始涉足摄影行业。因此，他的作品中总有油画的影子。极简主义的构图和淡黄色的色调让每一件作品都令人难忘。

他以“小框照片”而闻名，其中许多照片只有手掌那么大。在东京都写真美术馆的一次展览中，他将200到300张照片放入小皮袋中，让观众用手触摸它们。

他喜欢把照片拍得又旧又暗，甚至故意把照片撕下来，沾上颜色和茶渍。这些破损的照片似乎承载着更强烈的情感。山本所追求的正是这种“时间的痕迹”。所以他说：“我喜欢这样，随着时间变老，我必须让它们成为时间痕迹的一部分。”

影响几代人的10位世界级当代摄影大师

山本的拍摄题材包括静物、人体、风景。他没有选择伟大的事情。相反，他注重日常生活的细节，将“小”最大化。正因为如此，他的作品充满了东方哲学和禅宗色彩。

他的摄影就像俳句。虽然用的是简洁的表达方式，但却能让人感受到世界的广阔。

他说：“摄影作为我自己的表达方式，与绘画不同。它没有素材，只需轻轻一按就能捕捉到一幅画面。此外，我用的颜色很少。即使在当代艺术中，摄影也是一种创造性的创作。”元素和技巧相对简单的范畴让我的作品与俳句有一些共同之处。”

史蒂夫·麦凯里

玛格南彩色摄影大师

史蒂夫·麦凯里

史蒂夫·麦凯里（Steve McCurry，1950 年至今），美国摄影师。他在《国家地理》杂志工作了20多年，最终成为该杂志的首席摄影师。 1986年，他加入玛格南图片社。他独特的摄影天赋让他能够超越语言和文化的障碍，捕捉人类转瞬即逝、微妙的瞬间。

史蒂夫·麦凯里确实不需要介绍，他已经是家喻户晓的名字了。

他是玛格南摄影师、第一位徕卡名人堂获得者、《国家地理》的首席摄影师。凭借对外国文化的浓厚兴趣，他已游历世界30多年。除了看到很多人文景观之外，他还亲眼目睹了不同地区人们的生活方式。

和布列松一样，史蒂夫·麦凯里也是一位真正严格的大师。

“以前每次拍摄要用800到1000卷胶卷，实际只用了20到25卷。”他的照片总是展现故事即将发生的时刻，具有异常独特的光影效果和色彩表现力。 “对我来说，作品最重要的品质就是它的独立性。一张照片就能讲述一个故事。”

1984年12月，他拍摄了著名、轰动一时的照片《阿富汗少女》，从而奠定了他在国际摄影界大师的地位。这部作品如今已成为社会底层受苦妇女和儿童的国际象征，并持续了数十年。

许多国家有不同的习俗和文化，人们有不同的信仰。他还发现，孩子是反映现实社会最真实、最清晰的镜子。孩子们也乐于配合，展现出他们最自然的一面。被拍者的眼睛总是直视镜头，仿佛想通过麦凯里的镜头向我们讲述他的故事和他的国家。

他说，他一直对人类的表情很感兴趣，喜欢把拍摄对象放在室内、屋檐下、矮墙后面等，睁大眼睛静静地看着镜头。麦柯里总是在自己的尼康相机上拧上85毫米F1.4大光圈人像镜头，装上柯达反转片，架起三脚架，与对方聊天，观察对方表情的细微变化，不断手动对焦。并快速按下快门。

麦凯里曾经说过，面孔往往是一个人的经历和情感的缩影。一张肖像可以讲述很多关于这个人的性格的故事。拍摄人物的内心世界并不是一件容易的事。同样，拍摄一群人的心理世界也很困难。这不是一件容易的事。

斯蒂芬·肖尔

新太空色彩摄影大师

斯蒂芬·肖尔

史蒂芬·肖尔（Stephen Shore，1947年至今），6岁就玩相机，14岁向纽约现代艺术博物馆出售3张照片，17岁成为安迪·沃霍尔的专属摄影师，并成为23岁成为摄影师。第一个在纽约大都会艺术博物馆举办个展的在世艺术家，35岁时成为哈德逊河畔巴德学院摄影系主任。他就是史蒂芬·肖尔（Stephen Shore），新彩色摄影大师，对摄影的影响集中在色彩和空间的本质上。一代又一代的摄影师。

斯蒂芬·肖尔（Stephen Shore）是一位摄影天才，从小就展现出摄影天赋，有着近乎完美的履历。

14岁时，他“结识了MOMA摄影部门负责人Edward Steichen”，他的3幅作品被他收藏；

17岁，在安迪·沃霍尔工作室工作数年；

24岁时，他成为“第二位在纽约大都会艺术博物馆举办个展的在世摄影师”。

….

直到25岁，这个无敌的“别人家的孩子”终于遭遇了小挫折。

他决心投身于彩色摄影，并在美国灯光画廊举办了彩色作品展。本次展览的作品取材于许多在美国日常可见的物品，比如食物、电线杆、电视、冰箱、洗衣机等，这些物品被拍成彩色照片并展示在墙上，在当时是不寻常的。

如今，人们早已习惯于试图通过色彩和构图来揣摩图片背后的信息，也早已习惯了色彩缤纷的艺术品。然而，20世纪70年代，彩色摄影的发展并不顺利。

于是，年轻的史蒂芬·肖尔不可避免地经历了被忽视的尴尬。这次展览反响平平，观众没有意识到照片背后的艺术意义。当时，一些艺术家甚至认为只有黑白照片才能体现艺术之美，彩色摄影只是业余摄影师自娱自乐的工具。

直到后来，当彩色摄影艺术被广泛认可时，人们才认识到斯蒂芬·肖尔的作品在摄影艺术史上的重要性。他将彩色摄影从商业和业余用途转变为一种艺术形式。也正是他作品中对生活的直接呈现，让人们认识到摄影艺术逐渐从试图改变生活转向理解生活、反映生活。

他的影响力无疑是巨大的，尤其是他长期不懈的努力影响了几代艺术家。同时，他的摄影也为年轻一代摄影师提供了非常有价值的衡量参数。

他为摄影语言的进步和发展建立了独特的空间，不仅以生动的摄影作品为指导，而且以完整的理论框架为师。半个世纪后，它仍然可以作为我们研究和研究摄影构图和摄影色彩的基本理论体系。